Le Metropolitan Museum offre aux new yorkais une occasion rarissime d’adosser la culture à la mode….étrange univers que celui d’Alexander qui n’a rien à voir avec la vacuité culturelle de Galliano
Le nom de l’exposition Beauté sauvage.
Je pense que le titre « beauté de sauvage » résume beaucoup les courants contraires dans le travail de McQueen. Car vous visitez l'exposition, vous êtes confronté à deux mannequins... deux mannequins qui à mon avis représentent plusieurs des thèmes et des idées que McQueen a revisités dans toute sa carrière : oppositions contrastées, qu’il fait avec vie ou mort, légèreté ou obscurité, prédateur/proie, homme/machine.
La première galerie dans laquelle vous entrez s'appelle « l'esprit romantique, » elle est faite en béton, d'une manière reflétant le rawness de certains des vêtements. Elle est inspirée par le premier atelier de McQueen dans la place de Hoxton, où McQueen a établi sa maison. McQueen s'est exercé dans la mise sur pied dans la rangée de Savile. McQueen était un artisan remarquable. Il pouvait creuser des sillons par les qualifications de son métier, mais également vers le ou la mode d'utilisation comme véhicule d’expression d’idées et de concepts très complexes.
Dans cette exposition particulière, et dans cette galerie en particulier, vous verrez comment McQueen maîtrisait les métiers de son commerce et les renverserait.
Mieux encore Le traitement extérieur dans « gothique romantique » est principalement les miroirs âgés, un matériel qui évoque l'idée d'Edgar Allen Poe « l'automne de la Chambre d'Usher. » McQueen s'est souvent appelé « Edgar Allen Poe de mode. »
Un des thèmes les plus répandus et les plus continus dans le travail de McQueen était le gothique, en particulier le côté en noir du 19ème siècle, de Victorianisme. Plusieurs des morceaux sont inspirés par le culte de la mort, et il est également peuplé avec des caractères liés au concept littéraire du gothique, comme des vampires, des highwaymen, des antihéros, ou des héros de Byronic. Un cercueil compose la collection posthume de McQueen, officieusement appelée Angels et les démons.
Et elle montre la relation intime de McQueen avec l'histoire d'art aussi bien que son amour des peintres flamands. C'était son moment préféré dans l'histoire d'art.
Le « Cabinet de curiosités » se rapporte au dix huitième siècle et à la pratique du dix neuvième siècle consistant à rassembler des objets de l'histoire naturelle comme manière de regarder le monde. Cette pièce, d'une certaine manière, est le coeur et l'âme de l'exposition.
Vous découvrirez la largeur de l'imagination de McQueen dans les morceaux sur l'affichage et les objets qui l'ont inspiré (nature, primitivisme). Tous les thèmes principaux que vous découvrirez dans toute l'exposition sont beaucoup présents dans cette galerie particulière. Vous verrez également dix moments iconiques de ses expositions de piste.
McQueen était une grande éponge, et il a regardé partout pour l'inspiration, et vous voyez toutes ces références venir ensemble dans cette galerie particulière.
Dans « le nationalisme romantique, » le traitement extérieur est une marqueterie qui est conçue pour refléter le tartan de McQueen.
McQueen était un conteur incroyable, et la plupart de ses collections sont des récits basés sur l’histoire
. Dans ce cas particulier, il montre sa grande fierté dans son héritage écossais et également son grand amour de l'histoire britannique. Ainsi d'une certaine manière, il y a un face à face entre les Ecossais et les Britanniques.
La deuxième salle, « le viol des montagnes, » est composée du bois cru. Le viol des montagnes était très provocateur quand on lui a montré d'abord en 1995 ; beaucoup de personnes ont interprété le viol en tant qu'étant le viol des femmes.
McQueen était très convaincu dans le fait que le viol au titre s'est rapporté au viol de l'Ecosse par le Jacobite Risings du XVIIIème siècle et aux dégagements des montagnes du 19ème siècle.
Je pense que la violence de ce moment particulier dans l'histoire a été reflétée dans des vêtements de McQueen dans leur propre construction; comme s’il avait découpé les L'hologramme était la finale des veuves de Culloden. Près de l'hologramme on a une variation de la robe que Kate Moss porte, faite de centaines de couches d'organdi en soie avec les bords crus.
Dans « l'Exoticism romantique, » nous avons voulu beaucoup donner l'idée d'une boîte à musique. Ainsi nous avions l'habitude des miroirs pour donner une idée d'infini, et des plaques tournantes également tournantes. McQueen a souvent recherché l'inspiration non seulement dans le passé éloigné, mais également les autres cultures, en particulier Chine et Japon. McQueen a aimé la broderie, et le Japon et la Chine étaient deux cultures qui ont excellé, de que l'Inde, une autre grande influence dans la carrière de McQueen. VOSS est une collection qui a comporté les vêtements très fortement exotique
Vous voyez deux exemples ici dans le rapiéçage qui donne l'impression des chrysanthèmes, une fleur liée à l'est, en particulier Japon. VOSS était une collection étagée dans une boîte dans une boîte avec un miroir bidirectionnel. La finale de la collection était une petite case dans la boîte plus grande avec les murs se brisant vers le bas, indiquant une dame nue avec des mites flottant autour de elle, inspiré par une photographie par le sanatorium autorisé Witkin de Joel-Peter.
Dans « le Primitivisme romantique, » le traitement extérieur est un métal rouillé qui est censé évoquer un bateau submergé.
La collection décrite est une collection appelée Irere, qui a indiqué l'histoire d'un naufrage en mer et le débarquement suivant en Amazone. Et la vidéo que vous verrez suspendue au-dessus de la galerie fonctionnera comme contexte à la collection de McQueen (un film tiré de John Maybury.)
Dans cette galerie particulière contrastent des oppositions, tels que le prédateur/proie, ou primitif et civilisée.
Dans « le naturalisme romantique, » la première partie est réellement un schéma qui a été créé par McQueen que nous avons explosé et nous avons reproduits pour représenter le papier peint.
La nature était probablement l'un des thèmes les plus en avant dans toute sa carrière. McQueen a aimé la nature, a aimé le monde normal et souvent s’est référé au monde normal pour les matières premières de ses vêtements.
La dernière galerie, l’ « Atlantide de Platon, » est la collection entièrement réalisée de bout en bout que McQueen a conçue avant sa mort en février 2010.
Et elle est couverte dans des tuiles acryliques pour donner l'idée d'un laboratoire clinique. Pour Andrew Bolton c'était une collection qui d'une manière a récapitulé tous les thèmes principaux dans toutes les oppositions contrastantes de la carrière de McQueen de l'homme et machine, nature et technologie.
La collection réelle était fait au-dessus de l'Internet de façon à créer un dialogue entre le consommateur et le créateur.
McQueen a aimé provoquer et il vous provoquera avec émotion. Je pense qu'il a fait cela en branchant sur ses inquiétudes culturelles, ou ses incertitudes, ou ses espoirs, ou ses désirs.
L'exposition, organisée par l'institut de costume, célèbre le défunt les contributions extraordinaires d'Alexandre McQueen pour façonner. De sa collection universitaire supérieure de Martins de Saint Central de 1992 à sa présentation finale de piste, qui a eu lieu après sa mort en février 2010, M. McQueen a contesté et a porté la valeur ajoutée d de la mode au delà de l'utilité à une expression conceptuelle de culture, de politique, et d'identité.
Ses conceptions iconiques constituent le travail d'un artiste dont le milieu de l'expression était mode.
L'exposition comporte approximativement cent ensembles et soixante-dix accessoires de carrière prolifique de dix-neuf-années de M. McQueen.
Tiré principalement des archives d'Alexandre McQueen à Londres, avec quelques morceaux des archives de Givenchy à Paris aussi bien que les collections privées, la signature conçoit comprenant le pantalon de « bumster », la veste de kimono, et le manteau de robe à trois points de « origami » sont sur en vue.
Les modes de McQueen ont souvent mis en référence les silhouettes exagérées des 1860s, des 1880s, des 1890s, et des années 50, mais son ingéniosité technique a toujours imprégné ses conceptions avec une sensibilité innovatrice qui l'a gardé à la tête d'avant-garde.
Voilà l’exposition que m’a racontée Andrew dans un débit fleuve charriant un torrent d’enthousiasme et me laissant un peu et parfois lost in translation
Cette exposition est organisée par Andrew Bolton, conservateur, avec l'appui de Harold Koda, le conservateur responsable, tous les deux de l’institut de costume. Sam Gainsbury et Joseph Bennett, les concepteurs de production pour des défilés de mode d'Alexandre McQueen, chargés d’être respectivement directeur de l'exposition et concepteur créateurs de production, respectivement.
Tous les traitements et masques principaux sont conçus par Guido.
Situé dans l'exposition hall d'iris et de chantre de B. Gerald, le deuxième étage, l'exposition est libre avec l'admission de musée.
Voir le plan et aller sur le site du Métropolitan Museum, en se laissant imbiber par l'esprit romantique « Vous devez connaître les règles pour les casser. Est ce pour ça que je suis ici, démolir les règles mais garder la tradition. » -
Alexandre McQueen McQueen a avec ténacité, favorisé la liberté de pensée et d'expression et a soutenu l'autorité de l'imagination. Ce faisant, il était un exemplaire de l'individu romantique, le héros artiste qui suit loyalement les préceptes de son inspiration.
« Ce que j'essaye d'apporter pour façonner est une sorte d'originalité, »
Merci Alexander ton œuvre est plus que posthume, elle est éternelle
Henri-Albert Delorme with Andrew Bolton (translation July 2011)
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